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henri matisse,'蜗牛'1953
Henri Matisse.
蜗牛1953
泰特
Henri Matisse/DACS 2021

起初,这种巨大的多色工作玻璃后面的10英尺正方形看起来像一个抽象的布置,在白色背景上的充满活力的颜色不规则几何块。但很快显而易见的是,六个块围绕着宽松的螺旋形暗绿色。它们像脂肪辐条一样,带有黑色矩形,并以逆时针方向移动到右上角的逆时针方向。这项工作实际上被称为“蜗牛”。从顶部黑色矩形,逆时针移动,颜色是黑紫红色,黄色,橙色和红色 - 整理较薄的橙色矩形,朝向右上角,就像蜗牛的眼睛茎一样。在四个角落中的每一个都是另一个块 - 左上角左紫红色,底部留下了一个长的水平明亮的蓝色矩形,右下浅绿色和右上角深绿色。整个设计被锯齿状的橙色边框包围 - 并且在右下角,它在红色手写'H Matisse 53'中说。

接近,很明显,这项工作是一种拼贴画。形状的几乎直的和弯曲边缘有时是尖锐的,有时粗糙 - 告诉我们,他们一直是切口和部分撕裂的薄片。然后每个都被放置在白皮书背景,略微重叠并被其邻居重叠。边界似乎已经由剩余的橙色涂料的纸片 - 框架的直边缘,框架的原始纸张的边缘,并且被切出块的内边缘锯齿状。总体而言,许多形状具有折叠线和磨损 - 不同颜料强度的平行条纹,露出画笔的方向。例如,长蓝矩形底部的纸张涂在垂直方向上,而它的边界到左侧具有水平标记。涂料覆盖率是斑驳的,纸张在湿润区域干燥的情况下鼓起。所有这些缺陷都会让工作是一种自发性和嬉戏感。

在他去世前一年的日子是八十四岁的时候,它很难相信'蜗牛'。虽然他被局限于他的床或轮椅,但他的感觉是通过他开发的新技术来解放和激励 - 在没有初步图纸的情况下直接进入预涂纸。他称这些作品“切口”而不是拼贴,因为切割的行为,厚厚的纸张的阻力是对设计的基础。他用剪刀这样的大剪刀,就像他把它一样,像雕塑家一样直接成色。有了这些最后的作品,马蒂斯认为他已经取得了比以往更大的完整性和抽象,说“我已经达到过滤,其要领的形式”。

在底部蓝色矩形 - 在它的右上角 - 是关于'蜗牛'如何组装的线索 - 用白色背景上显示出来的孔。Matisse的秘书Lydia Delectorskaya观看了“蜗牛”。

Lydia Delectorskaya(女性声音):
马蒂斯总是使用助手用水粉画的纸,用他所使用的各种颜色。墙上挂着一张白纸,助手把马蒂斯递给他的水粉画纸钉在上面,告诉他应该放在什么地方。当马蒂斯决定自己的作品完成时,它被轻轻地粘在了背景上。在任何东西被移动之前,当它被发送去粘贴的时候,一个极其精确的跟踪被做来确保在组成上没有任何变化,甚至连一毫米都没有。

艺术家和社会:艺术家房间:Joseph Beuys

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Joseph Beuys.
闪电和鹿在它的眩光1958年至1985年
2009年从私人收藏中借出

这个巨大的装置由各种各样的暗棕色物体组成,比如在一个大约25平方英尺的区域的地板上的废弃矿井的工业碎片或金属巷道,主要是一个19.5英尺高的女巫帽状三角形,悬挂在距离水平大梁中心5英尺的远角上。三角形的尖部向角处轻微弯曲,扭动着,像一团燃烧的火焰,而它的底部刚好碰到地板。它的表面凹凸不平,坑坑洼洼,就像烤过的泥土。当我们探索这个工作时,最好的地方是面对三角形。

在三角形前大约5英尺是一种银色的卡丁车。熨烫板形状搁置在连接四个空心块 - 车轮外的轴上,除了各自的侧面,切成件轮段。两个是半圆形,两个只是季度。围绕这是34个香肠或螺旋形状,如巨型牙膏管的喷射,最大的只要你的前臂和其他人没有大于一只手。有些看起来像根蔬菜和其他像水果一样的茎。朝着远的长墙到达了一个小型推车,有三个真正的轮子。在安装的左下方是一个三脚架,它是一个四英寸的立方体与三角形相同的纹理和颜色,陶瓷碎片嵌入其中。最重要的是,在中心,是一个直径一英寸的闪亮的圆形物体。

这个雕塑名为“闪耀的牡鹿”,由德国艺术家、教师、政治家和活动家约瑟夫·博伊斯在1958年至85年间创作。它可能看起来既现代又抽象,但它的灵感却恰恰相反。每个元素都有一个精确的符号功能。这个三角形是用青铜铸成的,代表一道闪电击中地面,照亮了一群动物。对博伊斯来说,它体现了地球的原始能量——以及他对产生、储存和传递这种能量的材料的迷恋。青铜是导电的——对于雕刻家来说,它还有一个额外的优势,那就是它可以填充模具最精细的细节。博伊斯从一堆粘土上投下螺栓——因此直接从泥土本身投下。顺便说一句,这个土丘是1982年靠近柏林墙的一个装置的一部分,它的顶部和柏林墙的顶部一样高。你可能会有兴趣知道,这个画廊是泰特现代美术馆大多数画廊的两倍高——天花板高于螺栓顶端23英尺。

银色卡丁车 - 铝建议闪光 - 代表雄鹿。在北欧神话中,雄鹿赋予精神力量 - 并且在Beuys的工作中象征着保护。在这里,它可以保护喷射和斑点 - 原始生物从进化尺度的另一端。雄鹿也可能是一个警告提醒,当时人类崇拜的元素力量我们现在错误地认为我们可以控制。三轮车代表山羊。在三脚架立方体 - 也在土壤中铸造青铜 - 圆形物体是一个真正的指南针,指向磁性北方 - 再次反映了Beuys对地球的能量的担忧。

Beuys相信在艺术的革命力量,以及他的材料,如这里的材料是我们所有人都能治愈社会的创造力的隐喻。

在第二次世界大战中,Beuys是一个德国空军无线电运营商。他描述了他如何在克里米亚上击落,然后由游牧的鞑靼人救出,这些鞑靼人通过用脂肪揉搓他的烧伤和冷冻的身体并留下毛毡。后来的脂肪和毛毡是他雕塑中经常出现的材料之一。他在面试中说:

Beuys(男声)
‘… when I built up a kind of theory and a system of sculpture and art and also a system of wider understanding – anthropological understanding of sculpture being related to the social body and to everybody’s life and ability - then such materials seemed to be right and effective tools to overcome, one could say, the wound of us.’

万博取款实名验证在工作室:国际超现实主义

Pablo Picasso,'三舞者'1925年
巴勃罗毕加索
三个舞者1925年
泰特
继承毕加索/DACS 2021

这款厚厚的毕加索油7英尺高,4分半,主要是蓝色,粉红色和黑色互锁锯齿状的形状,由三个对比的裸体数字牵手握着疯狂的舞蹈。背后,充满活力的蓝色的矩形表示一块阳台楼层到天花板的窗户,天空,也许是海上。舞者的武器和腿的职位告诉我们他们在戒指中跳舞,但图像的深度感。

在窗户被推动的深蓝色天空的中央垂直略微打开,一个简单的,更细长的人物在苍白的粉红色上矗立在一个直腿上,另一个弯曲在膝盖上 - 同时面对我们,朝向右侧移动乳房在概况 - 在狂喜或典型的v的ed背部和胳膊上蓬勃发展。

在左边是另一个粉红色的数字,也对一个直腿,在相同方向上移动。但是另一条腿后面被踢,头部以几乎不可能的角度朝向那个脚跟拱起。这个数字是一个复杂的混合杂乱的不同形状。脸上盯着我们盯着我们就像一个野外面具或头骨,黑色杏仁形的肌肉和红色的喉咙,有锋利的白色鱼类牙齿。绿色与对角线平行的白线和其它颜色搭配黑色犬齿周围的补丁补丁可能表明裙子。在这是一个蓝色的椭圆形,垂直黑线 - 就像一个洞,背景蓝色和阳台都是可见的。在胸级是一个更大的“洞”,一个颠倒的泪珠,中央红色圆圈 - 就像乳房一样。以上是两个更乳房状的形状 - 在图中的扭曲的身体和左臂的线路之后,随着伸出手与中央人物的一只手伸展。顶部乳房是一个黑色圆形轮廓,靠着蓝色的蓝色,像门把手一样,面向右边。这个女人的其他胳膊伸向中央图的背后,将手与第三个数字 - 在工作的右侧。

第三个舞者的动作方向相反,从右向左,与其他舞者形成对比的是,它由三个垂直的、有棱角的条纹状块组成,分别是黑色、白色和深棕色。这名舞者的左臂垂直,双手握在右上方和中间的人物,手臂之间形成一个三角形的空间——涂成黑色,像一顶尖顶的帽子。在这中间是一个小的棕色头盔形状的侧面面向左边。但黑色的三角形表明前者的头部更大。在“帽子”的顶部,尖顶的两边,有像小提琴琴栓一样的圆形末端的黑色线条——毕加索用两只手的手指之间的空隙来表示——就像皮猴或小丑的飘动的或带铃的流苏。在三角形的左下方是一张长鼻子脸的轮廓。

这幅画是毕加索1925年创作的,当时他与俄罗斯芭蕾舞女演员奥尔加·柯克洛娃(Olga Khoklova)结婚,她是俄罗斯迪亚基列夫芭蕾舞团的一名舞者。人们认为这与他25年前的人生悲剧有关。我们知道他把这幅画保存了40年——凹凸不平的表面表明他反复涂抹——这也许是这段插曲继续困扰他的程度的证据。

《三个舞者》一开始是一种相对简单的舞蹈排练表现。但x光显示,毕加索随后做出了彻底的改变。当他在研究它的时候,他听到了一个老朋友拉蒙·皮绍的死讯。1900年,皮绍和另一位艺术家卡洛斯·卡萨吉马斯(Carlos Casagemas)陪同毕加索第一次去巴黎。在巴黎,卡萨吉马斯爱上了一个叫杰曼的女人。但她拒绝了他,卡萨吉马斯一怒之下向她开了一枪,然后自杀了。不久之后,杰曼嫁给了皮绍特。这幅画似乎在讲述那个悲惨的三角恋故事。在一场充满爱、性和死亡的舞蹈中,左边的女人是杰曼,拱起她的背以避开红点——可能是子弹;中间的人物是受害者Casagemas,右边的人物是Pichot,他的手在Casagemas背后与Germaine相连。

万博取款实名验证在工作室:Gerhard Richter

格哈德·里克特,《凯奇(1)-(6)》,2006年
格里希特
笼(1)- (6)2006
2007年从私人收藏中借出
©2006 Gerhard Richter

这六幅很酷的、抽象的9.5英尺见方的画有规律地围绕着这个白色房间的墙壁,它们是由格哈德·里希特(Gerhard Richter)在2006年创作的,是一个连贯的团体。这六种颜色都是多种颜色的,但有两种主要是灰色,两种是灰色和绿色,一种是灰色和红色,还有一种是灰色、黄色和白色。当厚厚的颜料在画布上来回拖动时,模糊的颜色中水平和垂直的纹理让人联想到河流表面的倒影——尤其是那些深绿色的地方。

近距离,光滑和挖泥漆的区域揭示了在连续的层中建立的作品。“坑”越深,对比色的颜色越大。应用后,每层都用大调色刀刮回来 - 完全取出一些油漆并弄脏了留下的颜色。然后将另一层放在上面,刮掉 - 等等。因此,工作已经以意外的方式发展。他们有点像一个广告牌,在那里准备一套新的海报被困在那里,最新的已经被剥夺了数百张过去海报的碎片。里希特说'我不知道我想要什么;......我喜欢无限的,无边的;我喜欢持续的不确定性'。

在美国前卫作曲家John Cage之后,里希特叫这些作品'笼绘画'。Cage introduced elements of chance into the creation and performance of his music, and is best known for his pieces for prepared piano – a piano with sound-altering objects placed on the strings – and his composition ‘four minutes 33 seconds’ - performed without a single note being played so that the random sounds of the environment can be heard. Richter shares this interest in what is revealed by absence or removal. The ‘Cage paintings’ have been made as much by destroying as by creating.

这里的涂料用大刮刀刷 - 所以摘要表现主义没有一个独特的表达标志。表面在地方得分,但这些凿子也有匿名感觉。Richter的关注始终与图像本身 - 而不是直接引用其他任何东西 - 以及持续的质疑过程。

万博取款实名验证工作室:克劳德·莫奈和马克·罗斯科

这款几乎抽象油画的迷雾苍白的绿色,温暖的黄色,鼻子和玫瑰色粉红色13英尺宽,6岁,半高。它在一个简单的亮的金红色框架上挂了低位,像竹竿。从近距离看,镶嵌的帆布是一种无定形的拆分,多彩色涂料的旋转层。但是有距离,单独的形状开始出现。矛盾的是,远离绘画我们越多,它越名越之绝,它在这个房间中心的替补席上大约12英尺远。它被称为“睡莲”,它在1916年之后被Claude Monet涂上了。

深蓝和淡紫色的眼状区域含有水平的绿黄色和海蓝宝石椭圆形群,带有红色和粉红色的斑点——睡莲的叶子和花。这些斑点与绿色、棕褐色和粉红色的垂直曲线和斑点形成对比——就像模糊的面纱。作品分成三个垂直的部分,微微向右倾斜。每一个左边和右边的部分是三个百合组——一个在另一个上面——中间有模糊的区域。左边有一个基团,右边对应的位置是一个模糊的区域,反之亦然,提供了一种平衡。在顶部,椭圆形的叶子被压扁了——暗示着水面的倾斜,因为它从我们身边退去。中间的垂直部分以淡粉色为主,被突起的淡紫色形状所包围,这暗示了日出或日落天空之间树木的倒影。在这中间是一个特别模糊的区域,也许是微风吹皱了水面。在作品的右上方是另一幅——也许是垂柳的稍纵即逝的运动。莫奈自己说:

莫奈(男声):
主题的本质是水的镜子,其外观随时变化,因为天空的区域反映在它…飘过的云,清新的微风,稳稳落下的种子,吹过又突然落下的风,暗淡又明亮的光——所有的一切……改变颜色,搅乱水面。

Monet在Giverny的百合池是他生命的最后三十年的主要科目。在许多绘画中,它激发了他探讨了看到和绘画之间的关系 - 不断质疑实际上的意思 - 以及内存在那个看的内存的作用。莫奈自己的记忆在他的工作中扮演了越来越重要的部分。在这幅画之前大约四年,他被诊断出患有两只眼睛的白内障。但最重要的是所有莫奈说他决心传达他的感受。为了做到他发现自己放弃了西方艺术的惯例。

万博取款实名验证在工作室:Mark Rothko

马克·罗斯科(Mark Rothko), 1959年《红魔力》(Red on Maroon)
Mark Rothko.
红色栗色1959
泰特
©Kate Rothko Prizel和Christopher Rothko / Dacs 2021

在这个灰色的房间里,有九幅不同比例的油画——有些又宽又长,有些竖着——你可能会注意到一种安静、虔诚的气氛。这部分是因为昏暗的灯光——正如艺术家马克·罗斯科(Mark Rothko)所要求的那样——还有部分是因为这些画作非常巨大——而且因为它们没有玻璃,所以可以吸音。但这主要是因为他们的深栗色、葡萄酒、红和黑所散发出的一种安静跳动的能量,以及他们对其他游客的影响。所有这些都暗示了一个主题的变化-一个完美平衡的框架-像一扇窗户-或一组平行的块-像门-模糊的边缘漂浮在一个单一的背景颜色。

靠近它的明显Rothko通过在非常薄的涂料层上施加层来建立了强烈的天鹅绒般的深度。他用非传统材料稀释并混合了涂料,使其迅速干燥。这就是他能够实现柔软的羽毛效果的方式 - 如果没有它们一起跑步,互相剥离连续不同的黑人或马桶的连续层。在一些作品中有“错误”的方向运行滴 - 这表明罗斯科倾向于重新定向他的画布,因为他的工作。

罗斯科将这些作品视为一个实体,提供一个完全沉浸的环境。他称它们为壁画,目的是为了吸引人们前来参观。他不介意人们是否以一种精神或神圣的方式体验他的作品,他会说一句著名的话:“我不支持任何一方。”但他不希望自己的作品被解读成知性的。“我不是抽象画家。我对形式和颜色之间的关系不感兴趣。我唯一关心的是人类基本情感的表达:悲剧、狂喜、命运。”

这里的绘画是罗斯科的一部分,Rothko被委托,于1958年为纽约时尚,现代主义摩天大楼,海程建设的独家四季餐厅制作。深玛托反映了该项目越来越糟的点。Rothko起初热情地推出了自己进入了海程项目,招聘了一个新的工作室,并试验最终将成为一个超过二十画的东西,以适应各种餐厅空间。但他倾向于抑郁症,并为他的精英和潜在未来的观众变得痛苦。绘画变得越来越暗 - 事实上的原始切片肝脏的颜色 - 而Rothko则被引用说,他希望他们在他的工作面前吃了“富有的母狗的母狗感到生病”。

该委员会被取消了。但是十年后,罗斯科将其中的九幅画作捐赠给了泰特美术馆,并提供了如何展示这些画作的具体说明。

表演者和参与者:Irina Nakhova

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Niki de Saint Phalle
射击图片1961年
泰特

这种矩形工作的凸起的白膏表面4和半英尺高,2到半宽,从其板上投射了近2英寸的地方,大多是由多彩树的彩绘森林所涵盖的-trunks - 大多是蓝色,绿色,黄色,红色和棕色的垂直运球 - 一些单线,其他人分叉路线。在石膏中是随机间隙孔,可见撕裂,脏聚则和浅棕色串。这些绳子有时悬挂在洞里,往往有一块附着的膏药。沿着工作的底部是微小的喷涂和溅射的小点,在其中撞到另一个表面 - 地板可能 - 涂料然后溅回到图片上。

这件作品'射击图片'是由法国出生的画家,雕塑家和电影制作Niki de Saint Phalle创建的1961年。她用涂料填充了聚乙烯袋,并将它们放在隔板和金属丝网之间。然后她用白色膏药覆盖了网状物。最后,放弃了对最终结果的所有控制,她在巴黎的画廊中展示了白色对象,并邀请了观众用.22步枪拍摄。子弹爆炸了涂料的袋子,创造了爆发和运球。据推测,有些人在石膏后面完好无损。对于圣徒,行动时刻和机会的元素是最终产品的一个组成部分。这项特殊的工作被艺术家贾斯珀约翰斯和罗伯特拉斯晨堡拍摄。

这不是圣法尔唯一的“射击图片”。在她的艺术中,她探讨了表达尊重父权制社会和政治冲突的方式 - 以及这些作品,她说她在自己的暴力和时代暴力上射击。她后来回顾说,射击图片的经验就像一场战争一样。一场愉快的战争。没有人受伤。但是在射击之后,我们总是觉得清空,疲惫不堪,就像在斗争之后一样。枪的整个仪式。空白图片的白度......烟雾,噪音和颜色。

在六十年代初期的射击中有一个特殊的共鸣。在巴黎示威中受到猛烈镇压,法国正在与她的殖民地阿尔及利亚斗争。美国被苏联人锁定在苏联人的抵消中,这些苏联威胁要将整个世界陷入核崩溃。但即使在那种情况下,圣法尔的技术似乎对女性艺术家似乎特别好。由此产生的冲击霸建立了她作为一个国际艺术家和男性同行的平等。

她在1963年就停止拍摄这些照片了。“我对射击上瘾了,”她承认,“就像一个人对毒品上瘾一样。”这是困难的。我错过了壮观的场面和激动人心的场面,也错过了颜料爆炸的奇迹。”